sábado, 22 de agosto de 2009

Personaje del Palo. Por Palo Pandolfi.

En esta tercera edición, tenemos el orgullo de homenajear a un indiscutido personaje del palo, uno que rockea con poncho y botas de gaucho. Es el caso de este joven de 84 años que, además de ser un gran músico, es una persona que va de frente y te canta la posta.

Nacido en el monte, hijo de un indio hachero, llegó a nuestras tierras Eraclio Catalin Rodríguez Cereijo, el anteúltimo de 14 hermanos que tuvieron que dividirse para poder vivir, a él le toco Alto verde. Trabajaba en un bolichón y allí empezó con el canto, hasta que a los 17 años se fue a probar suerte a la gran ciudad, donde años más tarde, se transformaría en Horacio Guarany. “Me decían ''andate a Buenos Aires, andá que vas a matar''. Y vine en el 42…y me maté de hambre”.

Dueño de una personalidad tajante, el poeta cantor supo ganarse el respeto y el cariño de la gente, cantándole a las mujeres, a la amistad (“El hacer amigos es mi oficio” dijo alguna vez) y a su más preciado tesoro: el vino. “El vino es una bendición divina: sensibiliza, crea alegría, junta a los amigos. Mi padre era malo, bravo, trabajaba hachando los montes de La Forestal. Pero los domingos tomaba vino y jugaba con sus 14 hijos, acariciaba a mi madre, cantaba... ¿Qué magia tiene el vino, me pregunté desde chico, capaz de devolverle al hombre la ternura, el canto y la alegría?”
“¡Si el vino viene, viene la vida
!” canta el trovador etílico, que alguna vez creó “El Templo del Vino”, un lugar exclusivo para agasajar a sus amigos. Según cuenta la leyenda, de cualquier canilla de la casa salía el jugo de la viña. “Exponíamos cuadros, editábamos libros y nos reuníamos: era una casa puesta al servicio de la cultura, el morfi y el chupi” recuerda el viejo Horacio.

Pero nada fue fácil en la vida de este santafesino. Haciendo honor a ese chorro de sangre india que lo enorgullece, siempre cantó a gritos lo que pensaba y lo que sentía, algo que muchos llamaron rebeldía. Consecuencia de esto, después de varias amenazas de muerte y atentados con bombas, tuvo que exiliarse en España, desde donde se enteraba cómo la dictadura militar hacía desaparecer todos sus discos. Hasta que en 1979, de tanto extrañar, regresó, y tuvo que soportar que le pusieran cinco bombas en “El Templo del Vino”, de las cuales, sólo una explotó. El tiempo pasó y con la vuelta de la democracia el cantor pudo volver a los escenarios, a las radios y a la televisión, recobrando así el romance con su gente.

Con respecto al Rock tiene una postura crítica: "Los rockeros argentinos son grandes músicos, pero equivocan el camino, porque no se ocupan de mejorar nuestra música, como hizo Piazzolla, sino que la ignoran y adoptan la música impuesta por Estados Unidos. A través de las multinacionales, ellos imponen el twist, el boogie-boogie, la conga, el rocanrol. Y crean un complejo de inferioridad: un chico argentino apaga la radio al escuchar una chacarera, porque cree que es de negro bruto ordinario”. Duras declaraciones de un hombre que defiende lo suyo, lo nuestro, la idiosincrasia de nuestra tierra. Y aunque no comparto sus expresiones, siento que no está tan errado.

Por si te quedo alguna duda, fijate si no es del recontra palo esto que plantea: "Lo que me interesa es la necesidad de crear casas de servicios sexuales controladas sanitariamente. Porque veo miles de muchachos que no pueden conseguir una muchacha, porque no tienen ropa, figura o medios. Y la necesidad fisiológica del coito es más importante que la del estómago: cuando el hombre siente el llamado del acto sexual y no tiene cómo ejercitarlo, se vuelve una fiera, y así están todos los días violando muchachas, viejas. Un jubilado, un viudo, un viejo, ¿cómo consigue una mujer?". ¡Así se habla Don Horacio! Postúlese que lo votamos, y mire que somos varios los de pelos en la mano… pero, lo de “violando viejas”… ¿no le pareció excesivo?.-

¿Hay Rock o no hay Rock?

Crónicas de una Rockeada entrerriana: Carneviva en Paraná!

Impuntual llegué corriendo a la estación. A falta de auto, Fluviales para cruzar el túnel. Caminando luego por calles entrerrianas que subían y bajaban, bebiendo el néctar de la cebada, hasta dar con el paradero, donde sería el gran banquete.
Sonidos apocalípticos y eclesiásticos nos recibieron, y un tren en medio del lugar que parecía, hasta el momento dormido, pero con ganas de despertar. Diferentes generaciones reunidas para celebrar el ritual, cuando de pronto, un pájaro naranja apareció en escena. Zapatos de frac, robados quien sabe a que mago de los 80. Pantalón de vestir y una camisola mezcla de monje tibetano y enfermero de loquero.
La pintura de fondo afirmaba que era Rock lo que estábamos viviendo, y por un momento sentí que estábamos en otra época. Volaban vasos de cerveza. Preservativos inflados se quemaban con los focos de las luces. Corta cuerda el bajo. Calzoncillo largo del guitarrista, Shaolin correntino. Y los brujos van por dentro, y la gente no para de rockear, a cabezas sacudiéndose.
La buena, encontré la lapicera. La mala, con 50º de calor se acabo la bebida en la cantina atendida por el club de padres de calle Racedo. Saltos del guitarrista, plagados rock. El pogo, muy al contrario de mis expectativas, se acrecentó propulsado por la sed. El pájaro arengaba a su propia banda como si fuera un fan, convidando sexo a las grupies al tocar con su lengua el micrófono. A mi lado, alguien intenta mandar un mensaje en medio del caos, perdiendo el celular entre sudor y pisotones, tomando conciencia de ésto y saltando él también sobre esa tecnología que lo tenía aturdido. 10, 9, 8, 7…..3, 2, 1, ¡y… Ay, qué lindo está!
El frontman se ha convertido en gestos, no para de comunicar, la hiperquinesia desaforada lo ha transmutado en un actor maldito del romanticismo. Eléctrico… epiléptico. Tirado en el piso saltaba y volvía a caer, mientras Rueda seguía disparando.
Los sonidos de la batería habían transformado el lugar en un verdadero rito, y al subfluvial en un túnel del tiempo, mientras hombres y mujeres de 40 volvían a los 20.
En uno de esos picos de color, revolcóse Angelini en un charco, su charco y respondió a convulsiones de energía. Gritos de profeta que terminaron en una especie de onomatopeya, cantos de pájaros, como búhos, sin silbidos… autóctono y profundo.
No es el final. Cambio de pilcha para sacar unos cuantos litros de sudor de encima y nuevamente en escena. Abrieron la puerta de emergencia y se ven los trenes abandonados que nos apuntan. Suena “Aún no vine” y todo parece estallar.
El pájaro siguió cantando, hasta morir en el piso a los gritos y desafiando a la gente que no paraba de aplaudir. ¡Multiplíquense! Pedía y ordenaba. “Yo sabía, en Santa Fe somos todos Carneviva”. Y parece que en Entre Ríos también.
La típica pelea por la lista se transformó en la foto de celular que todos llevan pero nadie tiene. La gente pedía más, y el artista se quedaba en el escenario, el lugar donde más cómodo parece estar. Los del sonido habían apagado el micrófono, pegó unos últimos alaridos y se fue, emocionado por la celebración. En pocas horas, la fiesta volvería a comenzar en Cayastá.
Ah me olvidaba… nos costó un huevo encontrar la calle principal.

Curiosidades del Rock

Alanis, no te lo tomes a pecho, pero me tomo el palo!


Corría el año 1997 cuando Alanis Morissette se encontraba de gira presentando su disco Jagged Little Pill (un gran trabajo que contenía temas como “Ironic”, “You Learn” y “Head Over Feet”), en el cual, esta señorita era acompañada en vivo por una banda llamada Sexual Chocolate, nombre poco rockero si los hay.
En ese mismo año, Foo Fighters (banda liderada por el ex baterista de Nirvana) comenzaba a grabar su segundo álbum denominado The Colour and the Shape (o primero, ya que el disco anterior es un demo grabado íntegramente por Dave Grohl). Esta banda, compuesta por aquel entonces por Dave Grohl en guitarra y voz, Nate Mendel en bajo, Pat Smear en guitarra (acompañó en los últimos 6 meses a Nirvana) y William Goldsmith en batería.
A mitad de las sesiones de grabación del disco, Grohl discute con Williams, quien finalmente abandona la agrupación, por lo cual el mismo Dave decide borrar todas las tomas de batería, y grabarlas nuevamente por sí mismo (aunque ésto no es del todo correcto, ya que algunas tomas han quedado, como la canción “Doll”, la parte lenta y la introducción de “Up In Arms” y algunas partes de “My Poor Brain” que no fueron acreditadas a su autor original).
Foo Fighters ya tenía terminado su disco, pero necesitaban un baterista para su presentación oficial, así que Dave Grohl decide llamar al por entonces baterista de Alanis Morissette, Taylor Hawkins, para preguntarle si podía recomendarle a alguien que esté interesado en ocupar ese lugar, por lo cual Taylor asumió la responsabilidad de encontrar el baterista indicado para la banda.
Cuentan sus propios allegados, que en un principio, propone a un amigo suyo (muy talentoso por cierto), fiel admirador de Alanis, quien solía acompañar a la banda en las giras y precisamente se encontraba con ellos ese año, en un Tour que abarcaba parte de Estados Unidos, Brasil, Perú, Sudáfrica, Senegal, “Las Macavi” y Angola.
En uno de los 20 shows que Alanis dio en Senegal (no se sabe por qué le gustaba tanto tocar en este país) Taylor decide comentarle a su amigo acerca del puesto vacante en Foo Fighters, pero al ingresar al camarín se lo encontró recostado en una cama bocabajo, con dos señores de tez oscura e impactante silueta posados sobre su espalda y a la misma Alanis filmando la escena, que al grito de “vamos gringuito!, sumate a la partuza!“, intentaba convencerlo de formar parte de su nueva producción cinematográfica. Fue tal el pánico de Taylor que, desesperado, corrió a tomar el primer avión que encontró rumbo a Estados Unidos.
Tras semejante episodio, tomó la decisión de hacerse cargo él mismo del puesto como baterista de Foo Fighters, aunque algunos afirman que simplemente fue un acto de recelo en contra de su amigo.
Disco recomendado: Por Martín “Flaco” Salas (Guitarrista de Medüla, ex Supernova).

Me cuesta elegir un disco referente en mis 30 pirulos, pero lo voy a elegir por lo que marcó, en un momento de pre adolescencia, en el que Sábado Taquilla o Rock & Pepsi no llegaban a convencerme en sus ranking con súper variados estilos que ya rondaban lo absurdo, como enganchar en un mismo bloque, Poison con “Technotronic” o “Roxette en español”.
Elijo la doble placa de Guns n' Roses titulada "Use Your Illusion" del año 1991.
Entre los puntos altos del disco, tengo que nombrar, a mi criterio:
* El mejor momento de composición musical de Axl, Slash & Izzy, un trío más envidiable que la delantera del Barsa 2009.
* Los solos de Slash que, hasta el día de hoy, podemos tararear sin equivocarnos, de hecho, nos saldría mejor que ese hombre de rulos con galera y Gibson vertical saliendo del agua en “Estranged”, de la iglesia en “November Rain”, o de la montaña en “Don´t Cry”.
* Los invitados de lujo, como el gran Alice Cooper metiendo su inimitable voz en “The Garden”, o Shannon Hoon (de Blind Melon) metiendo coros en ese ingastable “Don´t Cry”, entre los más conocidos y memorables.

El Dato:
La tapa del disco está inspirada en la pintura de Rafael Sanzio llamada "La Escuela de Atenas", pintada entre 1512 y 1514, la obra original se encuentra en el Vaticano.

domingo, 16 de agosto de 2009

Disco internacional Junio 2009

Aplastando cucarachas

Disco nuevo de Papa Roach y sin saber con que me voy a encontrar, le meto play al primer tema llamado “Days of War” (Días de Guerra).
Sonidos de palmas llevando el tiempo … redoblante que entra de a poco … violas se incorporan … imagino que va a arrancar a cantar, pero nunca aparece y termina el tema. Es una simple introducción al disco de un minuto y medio. Muy rockera. Un excelente comienzo.
Arranca el segundo (“Change or Die”) con una breve intro de viola y un grito bien desacatado. Un tema bien al palo, una buena rockeada.
Prestándole atención a la letra y mirando los nombres de las canciones, me doy cuenta de que posee una carga de protesta y su sonido lo acompaña.
Van pasando los temas y pienso en la evolución de Papa Roach. Banda que tiene sus inicios a mediados de la década del 90 pero que surge internacionalmente en el año 2000 con su primer LP, el popular "Infest", un disco de nü metal, acorde a lo que consumía la gente en ese momento, bandas como Linkin Park, Limp Bizkit, entre otras. En el medio, 3 discos de estudio más, Lovehatetragedy (2002) Getting Away With Murder (2004) The Paramour Sessions (2006).
Tres años más tarde, ve la luz esta nueva producción titulada Metamorphosis. Un trabajo que, comparado con Infest, muestra una clara evolución, con temas más contemporáneos y no tan iguales entre sí.
En lo que respecta al sonido de este disco, se puede apreciar algo bastante más alternativo, con temas bien rockeros (“Change or Die“, “Hollywood Whore“, “I Almost Told You That I Loved You“, “Into the Light“, entre otros), aunque también aparecen un par más “tranquis”, o los que podríamos llamar en este caso, comerciales. Con alguna intro acústica bien melódica y estribillos más pegadizos y bailarines.
Pasando la parte media del disco, vuelve a aparecer un tema que me mueve los pirinchos engominados (pura mentira, soy pelado). Se trata de “Into the Light”, que arranca y mi mente comienza a recorrer algunos otros grupos como Foo Fighters, en su etapa más reciente, o algún que otro temita de Velvet Revolver quizá. Un tema bien distorsionado, con varios cortes y cambios de ritmo, y además, otra cosa que me sorprende es un solo de guitarra (sáquense de la cabeza algo parecido a Slash), cuestión para nada común en esta banda.
En general, Metamorphosis es una buena inyección de rock, con una banda en crecimiento, desarrollando mejores sonidos y no tan cerrados en un estilo.
Lo que parece no haber cambiado mucho, es el aspecto “darki rebelde” de Papa Roach, aunque ahora su cantante ya no escupe cucarachas en los videos, y se lo ve más flaquito y sonriente. Parece que su paso por la TV (conducía un programa llamado Scars en MTV) le pegó un poquito.

Disco Nacional Junio 2009

Cordera Suelto… ¿Y el lobo?

Lo primero que pensé fue: “a este pelado le pintó el maraca”, pero seguí escuchando el disco y me di cuenta de que no era tan así…

Con sello de Sony Music Argentina, grabado en Del Cielito Studio en Buenos Aires, producido y dirigido por Pepe Céspedes y Osky Righi, salió a la calle Suelto, el primer álbum solista de Gustavo Cordera.


El mismo que cantó a los gritos y con saliva chorreando por su boca “Coger no es amor, es mucho mejor”, hoy hace un disco…de amor. Y no es una crítica, sólo un dato.
Me parece perfecto que un tipo como Cordera demuestre que no hace falta el “te amo, te lloro y te extraño” para expresar sentimientos, que se puede ser sincero y contar lo que se siente sin ser cursi y caer en berretadas. (Léase Ricky Martin, Cristian Castro, Axel Fernado, entre otros.)

Con este disco el pelado se la juega a morir, se calza el traje de trovador y se la banca haciendo algo diferente. Para ésto grabó los temas y les pidió a sus compañeros de Bersuit que lo produzcan musicalmente. Y así fue.

La placa empieza con “Aprendí a Esquivar", una canción con tintes calamarezcos, con rimas pegajosas y analogías muy extrañas como "Me siento campeón como Loche en Japón." Según Cordera: “Loche fue campeón del mundo sin pegar, solamente esquivando, y fue campeón del mundo en el arte de no dejarse pegar, que es totalmente distinto, es algo femenino, en la relación de pareja, no dejarse maltratar por el hombre".
Con temas como “Ansiendad de Buscar”, “Tan Cerca, Cerca” y “Almas Armadas” Cordera se mete dentro de tu cabeza y te habla cara a cara, diciendo esas cosas que sólo se hablan con un gran amigo o un psicoanalista (y con ese grado de locura que lo caracteriza).
El track 3 es “Me la Juego a Morir", elegido como corte de difusión, (erróneamente según mi criterio). Cuenta el solista que "Es una historia de amor adolescente. La timidez de la adolescencia y no poder decir lo que sentís y todo los problemas que trae el miedo a expresar lo que uno siente”.

Un disco muy bien cantado por Cordera, en el cual, juega con diferentes estilos musicales. Desde una Bossa ("Aprendió a Volar") en la que te imaginás al pelado bailando en calzoncillo largo y una sonrisa en la cara, o temas seudo psicópatas al estilo Massive Attack como “Volátil”. Pasando por una especie de Gospel argentino con gordas cantando abrazadas al cantautor ("Confío"), algún bolero al estilo Cordera como es “Mensajera" y cerrando con un tango versión 2000, con lunfardo actualizado, llamado "No Hay Monstruos Invencibles", del cual, Gustavo Cordera afirmó: "no hay quien cante esas canciones que nadie quiere escuchar" y ahí termina toda la obra, como un alegato a ¡vamos a decirnos las cosas, vamos a expresarnos, banquémonos la respuesta del otro, pero seamos valientes y digamos lo que sentimos, lo que nos pasa! Ese es un poco el legado final del disco. Mi viaje es la transformación, si llevo algo de antes deberá ser algo esencial, éste es mi viaje y seguramente será doloroso para los que te piden que no cambies nunca"

Suelto es un disco que va a tener que pelearla para entrar al cancionero popular y ser aceptado por una generación de bersuiteros acostumbrados a una imagen cínica e impúdica de Cordera como líder de una banda reaccionaria y anárquica. Cosas inexistentes en esta placa solista, de vuelo interior, que deja en claro una nueva etapa en la vida artística del autor donde se encuentran más respuestas que preguntas.-

Cortate solo!

Tras la partida de Scott Weiland de Velvet Revolver, el resto de sus integrantes se cansaron de probar vocalitas hasta que un día el mítico violero Slash cortó por lo sano. “¡Hago la mía!.”
Finalmente, el violero decidió continuar con sus emprendimientos en solitario, y aseguró ya tener casi liquidado un nuevo trabajito.
“Tenemos casi terminadas las partes de voz, dos canciones más y un par de detalles y estará listo“, adelantó el músico en su myspace.
Con respecto a este nuevo material, poco se sabe, pero algunos datos trascendieron, como por ejemplo, que cuenta con la participación de Josh Freese, baterista de Nine Inch Nails y con Chris Chaney, bajista de Jane´s Addiction.
En cuanto a la voz del disco, estará a cargo de diversos cantantes que interpretarán cada uno, un tema distinto, pero el único que se supo hasta el momento fue el gran Ozzy.
En relación a este material, que se supone verá la luz en los primeros meses del 2010, su autor opinó: “Es una colección jodidamente increíble, eso es todo lo que sé, con interpretaciones brillantes de todos y cada uno de los cantantes. Espero tener confirmada la fecha de publicación pronto, pero puedo asegurar, que no será este año”.
Finalmente, el melenudo violero nos acercará un nuevo material de su autoría. ¡Bienvenido sea!
El dato:
Además de su formato en CD, el disco será publicado en vinilo, lo cual supone que se grabará también en analógico. “Puede que estemos ante uno de los últimos álbumes de Rock And Roll que se graben así, no es broma” comentó Slash.

sábado, 15 de agosto de 2009

Finale piojoso

"Queridos Piojosos, fans, seguidores: Queremos informarles que a partir del próximo show del 30 de mayo de 2009 en River Plate, la banda entrará en un parate. Después de veinte años de carrera y constante crecimiento, algunos pesares y muchas grandes alegrías, giras mágicas y esforzados discos, un intenso desgaste nos obliga a parar nuevamente (como en 2005). Este impasse no tiene plazos ni condiciones. Los Piojos no se separan. Tampoco sabemos cuando volverán a reunirse…”

De esta manera, comienza la carta encargada de anunciar el freno por tiempo indeterminado de una de las bandas más importantes del rock argento.
Veinte años antes, un grupo de amigos del Palomar se juntaban a zapar canciones de los Stone y hacer algún picadito. Grabando algunas canciones y tocando en boliches del Oeste del conurbano bonaerense, se fueron haciendo cada vez más conocidos debido a la fusión del rock con el candombe rioplatense y el tango. Cuentan que al primer recital fueron 65 personas, piojosos pioneros que en veinte años se multiplicaron por mil.

A principios de los 90, el Rock Nacional comenzaba una nueva etapa. Y en ésta, los jóvenes que habían absorbido el jugo de Los Redondos y Sumo, comenzaban a crear las bandas que dieron surgimiento al denominado Rock Barrial.
El apoyo de los integrantes de Los Redondos y la participación de Skay Beilinson en algunos recitales fueron un puntapié decisivo para el impulso de la manada liderada por Ciro. Y de esta manera, en 1992, llegaron a la grabación de Chactuchac, el primer disco. “Estoy así, tan triste… somos fantasmas peleándole al viento”. En el medio, canciones que no tenían noción de lo exitosas que serían: “Tan Solo”, “Los Mocosos”, la versión de “Yira, Yira” y “Cruel” son claros ejemplos de esto.
Comenzaron las giras por algunas ciudades y por la Costa Atlántica. Con camisetas de fútbol el frontman se plantaba en cada escenario demostrando su baile, recolectando piojosos por todo el país.

Corría el año 1994, y mientras los argentinos dormíamos en la comodidad del 1 a 1, aparece un video de rock furioso con el objetivo de despertarnos. “Cae Babilonia” cantaba Ciro como un profeta, vestido de obispo al mejor estilo Habemus Rock. De fondo, imágenes de las peores catástrofes de la historia del siglo, mezcladas con escenas de “fulbito” en el potrero. Y con la explosión del final del tema, nacía "Ay, ay, ay", la segunda oportunidad de la banda para exponer su particular estilo. “Fue el primer trabajo con Alfredo Toth, nos imprimió dosis de trabajo en el sentido de que nosotros decíamos “ya está, vamos a grabar”, y nos dimos cuenta de que faltaba bastante. Nos hizo ensayar un mes con cuatro horas fuertes por día, para ir puliendo los temas, y para trabajar sobre estructuras de canciones que no podíamos resolver. Por ejemplo “Ay ay ay” duraba como diez minutos… y nos parecía corta.”
El resultado de este trabajo fue un compilado de enérgicos rockanroles (“Arco”, “Babilonia”, “Pistolas”, “Ximenita”, “Fumigator”, “Es Sentir”, “Te diría”) y pegadizas baladas (“Angelito”, “Ando Ganas”, “Muy Despacito”), demostrando de esta manera, la ductilidad de su obra.

El tiempo pasaba y cada vez eran más los seguidores que se iban sumando a la movida piojosa. Ayudando con pedidos en las radios, las pintadas de los trapos, la recomendación de boca en boca, la secada de bocha a los amigos para que se copen con la banda, los grafitis en las paredes del barrio, las remeras con las frases que todos desconocen, la asistencia perfecta en cada una de las fechas sea donde sea, (y todo por $2). Todo aquel que alguna vez siguió a un grupo desde sus comienzos coincidirá en que ésta es la mejor etapa del fanático. Etapa donde uno la siente de su exclusiva propiedad, y a la vez, con la obligación de hacerla masiva.

Y esto es lo que sucedió. Con un sentimiento de ambigüedad, mezcla de celos y alegría, los primeros piojosos celebraron la llegada de Tercer Arco, la placa que los catapultó a la popularidad.
“Esquina libertad, envido y truco del tiempo…”. Así comenzaba esta nueva placa, llena de éxitos que no paraban de sonar en todos lados. Un verdadero gol de media cancha, pero no de casualidad, apuntando al ángulo, prestando atención en cada detalle. Era el año 1996, y en los boliches argentinos se podía ver a todos los jóvenes coreando “El Farolito” o “Verano del `92”. Los chicos caminaban por las calles, con sus walkman, al ritmo de “Taxi Boy”. Las chicas sufrían por amor con canciones como “Todo Pasa” o “Gris”. Y por si fuera poco “Maradó”, el mejor de todos los temas dedicados al 10. (¿O preferís el de Rodrigo?)
Cinco Obras, dos Ferro, 10.000 personas en el Microestadio de Racing, 7.000 en Parque Sarmiento, Doble platino y record de ventas, videos en el Top Ten de Mtv, “Farolito” sonando primero en el ranking de todas las radios, una verdadera “Revolución Piojosa”.

Llegó 1998, y Los Piojos estaban acostumbrándose al reconocimiento y a la fama. Con un hachazo en el ojo, el piojo se hizo guerrero, y trajo bajo el brazo el cuarto trabajo discográfico de la banda: Azul un disco que les permitió crear, sin la presión de buscar el hit (suficiente con los del disco anterior). Con sólo cuatro meses de preparación y la participación del Rifle Pandolfi (pariente de palo, ex Vélez, actual Actitud Sospechosa), esta placa tiene un espíritu mucho más rioplatense que las anteriores (“El Balneario de los Dres. Crotos”, “Olvidate (Ya vez)”, “Murguita”, “Desde Lejos No Se Ve”, “Go Negro Go”, “Buenos Tiempos”), regalando temas de fogón (“Agua”, “Y que más”, “Quemado”) y potentes canciones rockeras como “Genius” y “El rey del blues”. El cd cierra con “Finale”, tema con el que termina cada show, con Ciro leyendo los trapos piojosos de todo el país. También hay que recordar que Azul fue remasterizado en Nueva York, comenzando una etapa internacional, lo que les permitió tocar en México y Estados Unidos.

Los recitales seguían amotinando fanáticos, y cada fecha era una ceremonia colmada de procesiones. Peregrinos asistían a un rito sin sacrificios, a una misa mística, reveladora y apasionante. A un verdadero Ritual, que quedó plasmado en un disco en vivo grabado en Obras, durantes tres rockeras noches de Mayo de 1999. Se celebraban 10 años de historia piojosa y hasta el Diego estuvo ahí, para colgar sus botines en el pie del micrófono. Para la ocasión, el piojo de la tapa estaba lookeado con una máscara, inspirada en las utilizadas en el norte argentino para las festividades de la Pacha-Mama.

El nuevo milenio comenzaba, y tranquilos por no haber sufrido los apocalípticos presagios de fin de siglo, los argentinos no teníamos idea de que lo peor estaba por venir. Mientras tanto, el percusionista de la banda, Daniel Buira, decide dejar la agrupación para formar La Chilinga. Superando esto, Los Piojos alquilan una quinta para instalarse a preparar su séptimo disco. Y a ese paisaje verde, lo transforman en un infierno musical. Por eso, y “porque talvez el infierno sea verde” (según Ciro) llega, con un piojo gritando a más no poder, Verde Paisaje del Infierno, para muchos, el mejor disco de la banda.
Primer disco independiente, grabado en Farolito Récords y con la incorporación en la percusión de Roger Cardero. Producido artísticamente por Ciro, y por el gran Ricardo Mollo en guitarras.
En todas las radios sonaba “Vine Hasta Aquí”. “Ruleta” la rompía con el video que terminaba con los dados formando el piojito. Este gran álbum parió temas como “María y José”, “Luz de marfil” y “Fijate” (cantado por Mickie), clásicos que nunca más faltaron en los rituales. Y no hay que olvidar “Morella”, un auténtico himno piojoso.

Siguieron los shows, y siguieron rompiendo sus récords: metieron 30.000 personas en la cancha de Atlanta y 35.000 en la de Huracán. Las primeras ediciones del Cosquín Rock, y giras por Estados Unidos. Cuatro Luna Park repletos e inolvidables con invitados de la talla de León Gieco, Pappo y los hermanos Mollo. Gira por el interior del país (Bahía blanca, La Pampa, Mendoza, La Plata, etc.), sumando a miles en cada lugar, culminando en Rosario con 10.000 fanáticos. Como resultado de esto, surgió su segundo disco en vivo: Huracanes en Luna Plateada. Un compilado de caravanas piojosas en la que se puede disfrutar el calor y la fiesta de cada fecha. Y de tanta joda, el piojo quedo cadavérico, y tatuado en miles de fans.

El tiempo pasaba y la gente esperaba un disco. Finalizaba el 2003 cuando los músicos culminaron su obra. Después del rojo, el azul y el verde, llegó el turno del naranja, el color elegido para tunear la máquina. Una máquina de rock, sudor y sangre que se pone en marcha con el riff inconfundible de “Fantasma”.
Máquina de Sangre llegaba lleno de hits y rocanroles de una calidad increíble. Al piojo también lo tunearon y quedó cibernético. “Como Alí” nos seco la cabeza de tanto sonar, y los chetos enloquecían en los boliches sin saber qué estaban cantando. El mundo era piojoso, no había un rolinga sin la mochila con el logo y los flequillos se multiplicaban por doquier.
El disco fue presentado en el Monumental el 20 de Diciembre de 2003, transformando a Los Piojos en la banda más convocante de la actualidad: 73.000 personas disfrutaron del rito. Y por si fuera poco, llenaron dos veces la cancha de Vélez sumando 90.000 seguidores, y 55.000 en La Plata.

La máquina parecía imparable, pero frenó en 2005 cuando Ciro tuvo que operarse las rodillas. Y corrieron los primeros rumores de separación.
Con un show cargado de expectativas, decidieron volver en Santa Fe, donde se convocaron seguidores de todo el país para celebrar el regreso. Después de llenar dos veces el Estadio de Boca Jrs., cumplieron el sueño de ser teloneros de los Rolling Stones en los dos espectáculos que brindaron a comienzos del 2006 en el Estadio de River Plate. La suma de estos conciertos tuvo como resultado que la banda de Palomar llegue a la pantalla grande de la mano de sus dos DVD´s: “Fantasmas Peleándole al Viento” y “Desde Lejos No Se Ve”.
Después de encerrarse durante los primeros meses del 2007 en los estudios El Farolito, Los Piojos salieron a la calle (tocando por la cuidad arriba de un camión) a presentar Civilización, un disco maduro y compacto, lleno de grandes melodías y letras comprometidas. “Tu mente es tu arma,… yo te llamo a la acción, un soldado que lucha con la imaginación. Que la fisura sea, cuando hay que fisurar.”
Vendiendo 80.000 unidades y transformando “Pacífico” en el tema del año, Los Piojos lograron tocar un techo que trajo como consecuencia la retirada de Pity Fernandez (actualmente en La Franela) y comenzaron nuevamente los rumores de separación.
Con la incorporación de Juanchi Bisio, la banda siguió tocando, presentando el nuevo disco en España, cerrando los festivales de Cosquín Rock y Quilmes Rock. Hasta que un día apareció una carta en la página oficial, destinada a los fanáticos, agradeciendo por los veinte años de fidelidad incondicional, anunciando un show en River para el 30 de Mayo y notificando un impasse por tiempo indeterminado... Cosas de la civilización.

“Queremos decirles a todos que el espíritu piojoso seguirá vivo. Eso ustedes quizá lo sepan mejor que nosotros. Cada tatuaje seguirá llevándonos adonde vaya.
Lo que no queremos es especular. Queremos hacer música y arte. Y como alguna vez dijo una canción, "si vos querés estar libre, si querés alto volar, que haya un hachazo en tu ojo, pero una flor en tu ojal".Un abrazo de veinte años, enorme, con todo el corazón. Gracias y hasta la próxima.
Los Piojos.-

Habemus Rock - Edición 3 - Junio 2009

Diccionario del Rock


Babasónicos: sujetos “raros” que forman un grupo musical. Totalmente obsesionados con el sexo, componen música que prácticamente incita al revuelco, lo que no tenemos muy en claro es la definición sexual de estos personajes. Remeritas de red, peinados afeminados y bailes totalmente dudosos, conforman la imagen de estos pibes.

Basta: último disco de Las Pelotas con la participación de Sokol. Sus aportes fueron realmente escasos y el resto de los miembros de la banda se encargaron de sacarlo a la luz en las letras de las canciones, que vislumbraban la desvinculación del Bocha. Frases como “Los tiempos han cambiado sin querer”, “¿Dónde habrá canciones nuevas?”, “Sabés que tan lejos todavía estás”, “Quizás un día volverás”, rematando con: “Te digo así no va a andar, no nene, no, no, no” forman parte de la letra de “Matrimaricomio”, tema número 10 del disco.


Beastie Boys: Tres personajes extraños que supieron experimentar varios estilos dentro de su música. Sus primeros sonidos hacen referencia al hardcore punk, pero fueron mutando y se consagraron como claros exponentes del hip hop y el rap, aunque en varios de sus materiales también se pueden apreciar influencias del jazz o el funk, como así también del rock. Lo que aún no se pudo constatar es qué consumía esta gente para hacer las cosas que hacían (si alguien sabe que pase el dato).

Beatles: Banda formada en 1960 en Liverpool, Inglaterra. Pioneros de la música rock y acusados de transmitir mensajes satánicos (no olvidemos que hasta la pornostar Xuxa fue acusada de ésto), estos genios talentosos lograron lo que todo el mundo anhela, buena música, muchas minas, mucha guita y un legado imborrable en la historia del Rock.

Beatallica: grupo de personajes que fusionan temas de los Beatles con temas de Metallica. En un principio pareciera que James Hetfield (cantante de Metallica) armó una banda en sus peores épocas de adicción, pero finalmente, se pudo confirmar que son un grupo de cuatro limados que no sólo fusionan la música, el nombre de los temas y de la banda ("The Thing That Should Not Let It Be", "And Justice for All My Loving" o “Hey Dude“), sino también, sus seudónimos (Jaymz Lennfield, Grg Hammetson, Kliff McBurtney, Ringo Larz).
Superando problemas legales (obviamente impuestos por el avaro “pocaonda” de Lars Ullrich -baterista de Metallica-), estos perdidos siguen fusionando a estas dos grandes bandas.


Birra: líquido elemento para los fanáticos del rock, fútbol y pasiones similares.
Bises: yapa que ofrece una banda al término de un recital. Generalmente son los mejores temas, o ésos que todo el mundo espera. Puede ser un dolor de cabezas, si estás esperando a la banda que sigue.

Black: tema editado en el disco Ten de Pearl Jam. Uno de los tantos éxitos que posee esta banda. Considerado como una de las mejores baladas de la década del 90 (la versión del unplugged es tremenda).

Black Sabbath:
grupo británico de heavy metal formado en 1967, compuesto inicialmente por Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward.
Ya en sus primeros discos y en grandes creaciones como Black Sabbath - 1969, Paranoid - 1970 y Master of Reality - 1971, es inevitable reconocer el camino que abrieron a lo largo de la historia del heavy. Bandas como Megadeth, Pantera, Motorhead, Judas Priest, entre otros, son claros exponentes de la influencia de Ozzy y sus secuaces.
Blues: uno de los géneros con más historia de la música. Los inicios de este estilo musical se remontan a principios del siglo XVII, surgiendo de canciones paganas y religiosas entonadas por esclavos africanos explotados en el sur de Estados Unidos. El motus de este género es la voz de protesta, alzada como una petición de libertad y para expresar las desdichas de la clase negra de la época. El género se expandió y fue asentándose en la población anglosajona y occidental hasta transformarse en un estilo clásico. Su nombre (Azules) es sinónimo de tristeza y sus ritmos se caracterizan por el uso extensivo de las técnicas "expresivas" de la guitarra (bend, vibrato, slide), que posteriormente influirían en solos de estilos como el rock.

Bob Marley: Robert Nesta Marley, nació en Jamaica un 6 de
febrero de 1945 y falleció en Miami un 11 de mayo de 1981. Fue un exitoso músico jamaicano y miembro del movimiento Rastafari. Pionero y encargado de dar a conocer en el mundo al Reggae como estilo musical.
Al acabar una gira europea, Bob partió para Estados Unidos. Realizó dos conciertos en el
Madison Square Garden, pero cayó gravemente enfermo. Tres años antes, en Londres, se había lastimado un dedo del pie jugando al fútbol. La herida se transformó en infección y comenzó a expandirse. En 1980, el cáncer comenzó a propagarse por todo su cuerpo. Controló la enfermedad durante ocho meses, pero en Mayo de 1981 murió en un hospital de Miami. Un mes antes, había sido condecorado con la Orden del Mérito de Jamaica, la tercera mayor honra de su nación, en reconocimiento de su inestimable contribución a la cultura del país.

Bocón: cualidad llamativa de muchos líderes del rock como Mick Jagger y Steven Tyler. Expresión también utilizada para denominar a quienes hablan sin saber o en momentos inapropiados.

Bonham: John Henry “Bonzo” Bonham fue uno de los fundadores de una de las bandas más
importantes de la historia del rock: Led Zeppelin. Considerado como uno de los mejores bateristas del mundo, logró influenciar el estilo de muchos aficionados a la batería y cambió la visión que se tenía del instrumento, implementando golpes más duros, sin tantos adornos, alejando el sonido característico del jazz o blues que tenía la batería en esa época.
Fallece un
25 de septiembre de 1980, a la escasa edad de 32 años, por aspiración de su propio vómito (curiosamente igual que Jimi Hendrix) tras ingerir unos 40 vasos de vodka en menos de doce horas en un día de borrachera. Luego de lo acontecido y tras varias especulaciones de un nuevo miembro, Led Zeppelin decide finalizar su carrera musical ya que la banda no podía seguir sin uno de sus miembros fundadores.

Budismo: religión elegida por muchos famosos como Harrison Ford, Sharon Stone, Orlando
Bloom, Oliver Stone, Uma Thurman, Steven Segal, Brad Pitt o Richard Gere. También manifiesta su presencia en iconos del rock como Kurt Cobain (Nirvana) o los muchachos de Astro Bonzo (la tapa del disco es un Buda).
Busarda: detalle visual característico de muchos rockeros. Recurso utilizado frecuentemente en el blues. Forma parte de la escenografía de bandas como Massacre o Los Fabulosos Cádillacs.

¡Es La Guitarra De Jimi!

En 1968 Jimi Hendrix compró un local situado en la calle 52 West Eight Street, en Greewnwich Village, Nueva York, con la idea de transformarlo en un club nocturno para que bandas locales pudieran presentarse en vivo. Pero tras haber adquirido la llave del lugar, su técnico de sonido lo convenció para que en vez de hacer un boliche, haga un estudio de grabación. Así fue, como el 27 de Agosto de 1970 “Electric Ladyland” abrió sus puertas. El lugar lleva el nombre del tercer y último disco editado por The Jimi Hendrix Experience, lanzado a la venta el mismo año, en el cual el virtuoso guitarrista adquiría el local.
Diseñado por John Stor, el estudio se realizó especialmente para Hendrix, con ventanas redondas y una máquina de iluminación capaz de generar incontables colores que alentaban la creatividad de Jimi. Lamentablemente, no pudo disfrutar mucho de este lugar, ya que, luego de la inauguración, el guitarrista toma un avión hacia Londres para tocar en el Isle of Wight Festival, y fallece menos de tres semanas más tarde, ahogado en su propio vómito, luego de una larga noche de alcohol y tras ingerir varias pastillas para dormir.
Hoy en día, ambas salas de grabación no han cambiado prácticamente en nada desde que Jimi estuvo allí (una todavía tiene los mismos sofás y las mismas pinturas que cuelgan en las paredes, y la otra, llamada Purple Haze, aún tiene la consola de color púrpura).
En este lugar han grabado un gran número de bandas y artistas, incluyendo a Ramones, Alice In Chains, Soundgarden, Aerosmith , Elvis Presley, AC/DC, Led Zeppelin, John Lennon, The Rolling Stones, Ozzy Osbourne, Iron Maiden, Foo Fighters, entre otros tantos grosos de la música. Pero todo cambió cuando The Clash estuvo ahí.
La banda ingresó a los estudios para grabar su disco titulado Sandinista! en junio de 1980 y juraron que el espíritu de Jimi rondaba el lugar, y no sólo eso, sino que afirmaron que tras un largo día de grabación, se retiraron, y cuando retomaron su trabajo al día siguiente, se encontraron con una línea extra (de guitarra) en el álbum, y aseguraron que el mismo Hendrix fue quien lo hizo. Tales afirmaciones pueden parecer extrañas, pero los testimonios cuentan que hay puertas que se cierran solas, el suelo cruje y una magia puede ser detectada en el aire. Lo que confirma que el mítico guitarrista también ha dejado sus drogas en el lugar.

Un caso similar ocurrió en nuestro país, en los estudios Mondobeat, donde, según dicen, también han aparecido algunas grabaciones fantasmagóricas.
Muchos estudiosos de fenómenos paranormales (incluidos Fox Mulder y Dana Scully) han intentado descifrar de quiénes podían ser las líneas del solo de guitarra de la canción “Don” de Miranda.
Aunque hasta hoy, no se sabe a ciencia cierta quién ha interpretado tal melodía. Algunos científicos afirman que por la clara rigidéz de los dedos del intérprete, esas notas sólo pueden haber sido ejecutadas por 3 personas: Daniel Scioli, el Joven Manos de Tijera, o el mismísimo Juan Domingo Perón, después que profanaran su tumba.

Todos los Rockeros van al Cielo...